Victoria Charles

Patrick Bade

Born in 1860 in a small Czech town, Alphonse Mucha (1860-1939) was an artist on the forefront of Art Nouveau, the modernist movement that swept Paris in the 1910s, marking a return to the simplicity of natural forms, and changing the world of art and design forever. In fact, Art Nouveau was known to insiders as the “Mucha style” for the legions of imitators who adapted the master’s celebrated tableaux. Today, his distinctive depictions of lithe young women in classical dress have become a pop cultural touchstone, inspiring album covers, comic books, and everything in between. Patrick Bade and Victoria Charles offer readers an inspiring survey of Mucha’s career, illustrated with over one hundred lustrous images, from early Parisian advertisements and posters for Sandra Bernhardt, to the famous historical murals painted just before his death, at the age of 78, in 1939.

Alphonse Mucha

Klaus Carl

Long thought of as the neglected stepchild of painting, the art of drawing has recently begun to enjoy a place in the sun. With major museums around the world, from the Met to the Uffizi, mounting exhibitions focused on the art of draughtsmanship, drawing is receiving more critical and academic attention than ever before. This captivating text gives readers a sweeping analysis of the history of drawing, from Renaissance greats like Leonardo da Vinci and Michelangelo, to Modernist masters like M.C. Escher, Pablo Picasso, and everyone in between.

1000 Drawings of Genius

"From ancient Sumerian pottery to Tiffany stained glass, decorative art had been a fundamental part of the human experience for generations. While fine art is confined to galleries and museums, decorative art is the art of the every day, combining beauty with functionality in objects ranging from the prosaic to the fantastical. In this work, authors Albert Jacquemart and Émile Bayard celebrate the beauty and artistic potential behind even the most quotidian object. Readers will walk away from this text with a newfound appreciation for the subtle artistry of the manufactured world"--

1000 masterpieces of decorative art

30 millennia of painting

Hans-Jürgen Döpp

Joe A. Thomas

Different eras and civilisations have treated erotic images with varying acceptance and different concepts of erotica and these tendencies are reflected within the works themselves. From ancient statues devoted to fertility to Renaissance engravings designed to encourage procreation within marriage, erotic art has always held an important place in society. Here, for the first time, 1,000 authentic images of erotic art have been brought together, spanning the centuries and civilisations to demonstrate the evolution of the genre. In an era such as ours when eroticism is abundant in advertising and the media, this book gives a refreshing insight into the background of erotic imagery, highlighting the artistic value of beautiful works of eroticism executed with skill.

1000 Erotic Works of Genius

À la fois repère de leur original propriétaire et salle d'exposition savante pour leurs visiteurs, les cabinets de curiosités, espaces incontournables des demeures du XVIe au XVIIIe siècle, furent de véritables lieux d'expression pour les collectionneurs hétéroclites. Entre espèces végétales ou animales rares et autres vestiges géologiques fossilisés, ces cabinets furent toujours dédiés à la connaissance et au savoir. Microcosmes extraordinaires, ils transformèrent, non sans une ambition encyclopédique, les variétés de curiosités naturelles qu'ils abritaient en pièces inédites, véritables chefs-d'œuvre de dame Nature. L'auteur nous mène ici dans l'antre de ces alcôves ouvertes sur l'immensité d'un monde que l'on découvrait à peine et que l'on tentait alors de mieux de comprendre.

Les Curiosités naturelles

Joseph Manca

Megan McShane

Desde el Renacimiento temprano, pasando por el Barroco y el Romanticismo hasta el Cubismo, Surrealismo y Pop Art, estas pinturas canónicas del arte occidental abarcan ocho siglos y una multitud de temas. Aquí encontrarás lo sagrado y lo escandaloso, lo minimalista y lo opulente, lo rompedor y lo convencional; hay cuadros que capturaron la esencia de una época y otros que marcaron el inicio de una nueva; obras de arte que fueron inmediatamente catalogadas de geniales y otras que al principio encontraron cierta reticencia. Todas han superado la prueba del tiempo y, a su manera, contribuyen a la dialéctica sobre lo que convierte a un cuadro en obra maestra, sobre lo que han cambiado las nociones sobre el arte, hasta qué punto el arte refleja la realidad y en qué medida la altera. Presentándolas aquí reunidas, estas obras de arte pretender ayudar a comprender la evolución de las preocupaciones y percepciones de nuestros ancestros, así como ofrecernos una pausa para considerar qué obras de nuestra era pasarán a los cánones de la pintura.

1000 Pinturas de los Grandes Maestros

The lighthouse, an indefatigable watchman, ceaselessly guides boats to their ports.This beacon of maritime signalisation has guided sailors since antiquity.The first known lighthouse appeared on the island of Pharos, and was the remarkable Lighthouse of Alexandria; however, it seems that volcanoes like Stromboli and its frequent eruptions were possibly at the origin of this invention, as the fires guided boats to their shores. Faced with the increasing development of modern navigational aids, these lone sentinels do not hold the same functional importance today. However, this work emphasises not only their role as a major architectural development, but also the place that they hold in the cultural heritage of the world. From the Lighthouse of the Whales (France) to the Lighthouse at the End of the World (Tierra del Fuego,Argentina), and passing by the Lighthouse of Green Island (Canada) and the Bell Rock Lighthouse (Scotland), this work invites the reader to rediscover the richness of these witnesses of other times.

Lighthouses

Renaissance Paintings

Giuseppe Arcimboldo (Milan, 1530 environ –1593) A ses débuts, les contemporains d'Arcimboldo n'auraient pas pu imaginer qu'il allait réaliser ce qui le rend célèbre aujourd'hui. Ses oeuvres juvéniles étaient habituellement destinées aux cathédrales de Milan ou de Monza, mais c'est à partir de 1562, quand il fut convoqué à la cour impériale de Prague, que son style et ses sujets changèrent. Pour la cour, il imagina des fantaisies originales et grotesques faites de fleurs, de fruits, d'animaux et d'objets assemblés pour former un portrait humain. Certains étaient de nature satyrique, et d'autres des personnifications allégoriques. Si son travail est aujourd'hui considéré comme une curiosité du XVIe siècle, il puise en réalité ses racines dans le contexte de la fin de la Renaissance. A cette époque, les collectionneurs et les scientifiques commencèrent à prêter plus d'attention à la nature, recherchant des curiosités naturelles à exposer dans leurs cabinets de curiosité.

Giuseppe Arcimboldo

William Morris (1834-1896), par son éclectisme, fut l’une des personnalités emblématiques du XIXe siècle. Peintre, architecte, poète et ingénieur, maniant avec autant de talent la plume que le pinceau, il bouleversa la société victorienne en refusant les standards instaurés par l’industrie conquérante. Son engagement dans la rédaction du manifeste socialiste fut la suite naturelle de cette révolution qu’il incarna dans l’habitat, les formes et les couleurs. Précurseur des designers du XXe siècle, il fut le co-fondateur, avec John Ruskin, du mouvement des Arts and Crafts. En homme libre, William Morris ouvrit les chemins qui conduisirent à l’Art nouveau et, plus tard, au Bauhaus. Cet ouvrage décrypte les rapports étroits entre idéaux et création, entre évolution et révolution, en s’appuyant sur l’essentiel de son Œuvre écrit et visuel.

William Morris

Vincent van Gogh

The incarnation of the myth of a cursed artist, Vincent van Gogh (1853-1890) is a legend who became a reference for modern art. An Expressionist during the Post-Impressionist movement, his art was misunderstood during his lifetime. In Holland, he partook in the Dutch realist painting movement by studying peasant characters. Anxious and depressed, Vincent van Gogh produced more than 2000 artworks, yet sold only one in his lifetime. A self-made artist, his work is known for its rough and emotional beauty and is amongst the most popular in the art market today.

Sarah Costello

30 Millennia of Sculpture

« Je peins ce que je vois et non ce qu’il plaît aux autres de voir. » D’autres mots que ceux d’Édouard Manet, à la touche pourtant si différente de celle de Monet ou de Renoir, pourraient-ils mieux définir ce que fut l’Impressionnisme ? Sans doute cette singularité explique-t-elle que, peu de temps avant sa mort, Claude Monet écrivit : « Je reste désolé d’avoir été la cause du nom donné à un groupe dont la plupart n’avait rien d’impressionniste. » Nathalia Brodskaïa dégage ici les contradictions de cette fin du XIXe siècle à travers le paradoxe d’un groupe qui, tout en formant un ensemble cohérent, favorisa l’affirmation des individualités artistiques. Entre l’art académique et le commencement de la peinture moderne non figurative, le chemin pour parvenir à la reconnaissance fut long. Après avoir analysé les éléments fondateurs du mouvement, l’auteur poursuit son étude à travers l’Œuvre de chacun des artistes et démontre comment, de cette revendication à la différence, naquit la peinture moderne.

L'Impressionnisme

Spanish architect and designer, Antoni Gaudí (1852-1926) was an important and influential figure in the history of contemporary Spanish art. His use of colour, application of a range of materials and the introduction of organic forms into his constructions were an innovation in the realm of architecture. In his journal, Gaudí freely expressed his own feelings on art, “the colours used in architecture have to be intense, logical and fertile.” His completed works (the Casa Batlló, 1905-1907 and the Casa Milà, 1905-1910) and his incomplete works (the restoration of the Poblet Monastery and the altarpiece of Alella in Barcelona) illustrate the importance of this philosophy. His furniture designs were conceived with the same philosophy, as shown, for example, in his own office (1878) or the lamps in the Plaza Real in Barcelona. The Sagrada Familia (1882-1926) was a monumental project which eventually took over his life (it was still incomplete at the time of his death).

Antoni Gaudí and artworks

Emile Gebhart

Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) (Florence, 1445 – 1510) Botticelli était le fils d'un citoyen jouissant d'une situation confortable, et avait été «instruit dans toutes les choses que les enfants doivent habituellement savoir avant de choisir une vocation ». Mais il refusa de consacrer son attention à la lecture, l'écriture et le calcul, poursuit Vasari, de sorte que son père, désespérant de le voir un jour à l'école, le plaça en apprentissage auprès de l'orfèvre Botticello, d'où le nom qui est passé à la postérité. Mais Sandro, jeune garçon à l'air entêté, doté de grands yeux calmes et scrutateurs et d'une tignasse blonde – il s'est représenté lui-même sur le côté gauche de L'Adoration des Mages – voulait bien devenir peintre, et il fut donc placé auprès du moine carmélite Fra Filippo Lippi. Comme de nombreux artistes de son temps, satisfait de la joie que lui procurait la peinture, il se tourna vers l'étude de la beauté et du caractère de l'homme, plutôt que vers les thèmes religieux. Ainsi, Sandro fit des progrès rapides, aimant son professeur et, plus tard, le fils de celui-ci, Filippino Lippi, auquel il apprit à peindre. Mais le réalisme du maître le toucha à peine, car Sandro était un rêveur et un poète. Botticelli n'est pas un peintre de faits, mais d'idées ; ses tableaux ne sont pas tant des représentations d'objets que des agencements de motifs et de formes. Ses couleurs ne sont pas riches et proches de la vie, mais subordonnées à la forme, et elles sont souvent des nuances plus que de vraies couleurs. En réalité, il s'intéresse aux possibilités abstraites de son art, et ses personnages n'occupent pas de place bien définie dans l'espace : ils n'attirent pas notre oeil par leur volume, mais suggèrent plutôt un motif ornemental plat. De même, les lignes qui entourent les personnages sont choisies pour leur fonction première, décorative. On a dit que Botticelli, «bien qu'étant un piètre anatomiste, était l'un des plus grands dessinateurs de la Renaissance ». Comme exemple d'anatomie erronée, nous pouvons citer la manière improbable dont la tête de la Madone est reliée à son cou, ou encore toutes les articulations approximatives et les membres difformes que l'on trouve dans les tableaux de Botticelli. Pourtant, son talent de dessinateur fut reconnu, car il donna à la «ligne » non seulement une beauté intrinsèque, mais également un sens. Autrement dit, en langage mathématique, il réduisit le mouvement de la figure à la somme de ses facteurs élémentaires, à ses plus simples formes d'expression. Il combina ensuite ces diverses formes en une figure qui, à travers ses lignes rythmiques et harmoniques, projette sur notre imagination les sentiments poétiques qui animaient l'artiste lui-même. Ce pouvoir de faire compter chaque ligne, à la fois par son sens et par sa beauté, distingue les grands maîtres du dessin de la grande majorité des artistes, utilisant la ligne avant tout comme un outil nécessaire à la représentation des objets concrets.

Botticelli

Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins, 1973) Picasso naquit en Espagne et l’on dit même qu’il commença à dessiner avant de savoir parler. Enfant, il fut nstinctivement attiré par les instruments de l’artiste. Il pouvait passer des heures de joyeuse concentration à dessiner des spirales pourvues d’un sens qu’il était seul à connaître. Fuyant les jeux d’enfants, il traça ses premiers tableaux dans le sable. Cette manière précoce de s’exprimer contenait la promesse d’un rare talent. Nous nous devons de mentionner Málaga, car c’est là, le 25 Octobre 1881, que Pablo Ruiz Picasso naquit et qu’il passa les dix premières années de sa vie. Le père de Picasso était lui-même peintre et professeur à l’école des Beaux-Arts de la ville. Picasso apprit auprès de lui les rudiments de la peinture académique. Puis il poursuivit ses études à l’académie des Arts de Madrid mais n’obtint jamais son diplôme. Picasso, qui n’avait pas encore 18 ans, avait atteint le point culminant de sa rébellion, répudiant l’esthétique anémique de l’académisme et le prosaïsme du réalisme. Tout naturellement, il se joignit à ceux qui se qualifiaient de modernistes, c’est à dire, les artistes et les écrivains non-conformistes, ceux que Sabartés appelait «l’élite de la pensée catalane » et qui se retrouvaient au café des artistes Els Quatre Gats. Durant les années 1899 et 1900, les seuls sujets dignes d’être peints aux yeux de Picasso étaient ceux qui reflétaient la vérité ultime : le caractère éphémère de la vie humaine et l’inéluctabilité de la mort. Ses premières oeuvres, cataloguées sous le nom de «période bleue » (1901-1904), consistent en peintures exécutées dans des teintes bleues, inspirées par un voyage à travers l’Espagne et la mort de son ami Casagemas. Même si Picasso lui-même insistait fréquemment sur la nature intérieure et subjective de la période bleue, sa genèse et, en particulier, ce monochromatisme bleu, furent des années durant, expliqués comme les résultats de diverses influences esthétiques. Entre 1905 et 1907, Picasso entra dans une nouvelle phase, appelée la «période rose » caractérisée par un style plus enjoué, dominé par l’orange et le rose. A Gosal, au cours de l’été 1906, le nu féminin prit une importance considérable pour Picasso – une nudité dépersonnalisée, aborigène, simple, comme le concept de «femme ». La dimension que les nus féminins allaient prendre chez Picasso dans les mois suivants, précisément durant l’hiver et le printemps 1907, s’imposa lorsqu’il élabora la composition de son impressionnante peinture connue sous le titre des Demoiselles d’Avignon. S’il est vrai que l’art africain est habituellement considéré comme le facteur déterminant du développement d’une sthétique classique en 1907, les leçons de Cézanne sont quand à elles perçues comme la pierre angulaire de cette nouvelle progression. Ceci est lié tout d’abord à une conception spatiale de la toile comme une entité composée, soumise à un certain système de construction. Georges Braque, dont Picasso devint l’ami à l’automne 1908 et avec lequel il mena le cubisme à son apogée en six ans, fut surpris pas les similitudes entre les expériences picturales de Picasso et les siennes. Il expliquait que le «principal objectif du Cubisme était la matérialisation de l’espace. A l’issue de sa période cubiste, dans les années 1920, Picasso revint à un style plus figuratif et se rapprocha du ouvement surréaliste. Il représenta des corps difformes et monstrueux mais d’une manière très personnelle. Après le bombardement de Guernica en 1937, Picasso réalisa l’une de ses oeuvres les plus célèbres, symbole des horreurs de la guerre. Dans les années 1960, son art changea à nouveau et Picasso commença à regarder de plus près les grands maîtres, s’inspirant dans ses tableaux des oeuvres de Velázquez, Poussin, Goya, Manet, Courbet, Delacroix. Les dernières oeuvres de Picasso étaient un mélange de styles, devenant plus colorées, expressives et optimistes. Picasso mourut en 1973, dans sa villa de Mougins. Le symboliste russe Georgy Chulkov écrivit : «La mort de Picasso est une chose tragique. Pourtant, combien ceux qui croient pouvoir imiter Picasso ou apprendre de lui sont en vérité aveugles et naïfs. Apprendre quoi ? Ces formes ne correspondent à aucune émotion existant hors de l’Enfer. Mais être en Enfer signifie anticiper la mort, et les Cubistes ne s’intéressent guère à ce genre de connaissance infinie. »

Picasso

Marc Chagall was born into a strict Jewish family for whom the ban on representations of the human figure had the weight of dogma. A failure in the entrance examination for the Stieglitz School did not stop Chagall from later joining that famous school founded by the Imperial Society for the Encouragement of the Arts and directed by Nicholas Roerich. Chagall moved to Paris in 1910. The city was his “second Vitebsk”. At first, isolated in the little room on the Impasse du Maine at La Ruche, Chagall soon found numerous compatriots also attracted by the prestige of Paris: Lipchitz, Zadkine, Archipenko and Soutine, all of whom were to maintain the “smell” of his native land. From his very arrival Chagall wanted to “discover everything”. And to his dazzled eyes painting did indeed reveal itself. Even the most attentive and partial observer is at times unable to distinguish the “Parisian”, Chagall from the “Vitebskian”. The artist was not full of contradictions, nor was he a split personality, but he always remained different; he looked around and within himself and at the surrounding world, and he used his present thoughts and recollections. He had an utterly poetical mode of thought that enabled him to pursue such a complex course. Chagall was endowed with a sort of stylistic immunity: he enriched himself without destroying anything of his own inner structure. Admiring the works of others he studied them ingenuously, ridding himself of his youthful awkwardness, yet never losing his authenticity for a moment. At times Chagall seemed to look at the world through magic crystal – overloaded with artistic experimentation – of the Ecole de Paris. In such cases he would embark on a subtle and serious play with the various discoveries of the turn of the century and turned his prophetic gaze like that of a biblical youth, to look at himself ironically and thoughtfully in the mirror. Naturally, it totally and uneclectically reflected the painterly discoveries of Cézanne, the delicate inspiration of Modigliani, and the complex surface rhythms recalling the experiments of the early Cubists (See-Portrait at the Easel, 1914). Despite the analyses which nowadays illuminate the painter’s Judaeo-Russian sources, inherited or borrowed but always sublime, and his formal relationships, there is always some share of mystery in Chagall’s art. The mystery perhaps lies in the very nature of his art, in which he uses his experiences and memories. Painting truly is life, and perhaps life is painting.

Chagall

Beyond the sunflowers, irises and portrait of Doctor Gachet, there is the man Van Gogh, signified by his fragility and talent. From his birth in 1853 to his death in 1890, the Post-Impressionist Van Gogh shaped 19th century concepts of painting, with his creativity and technique. He became a forerunner of the Expressionists, the Fauves and Modern art. Today, however, Van Gogh remains the symbol of a painter tortured by illness, by others and, above all, by himself. Explore the world of Post-Impressionism with a beautiful collection of paintings from this creative genius. The vibrant colours and whimsical brushstrokes within the paintings provide an insight into the volatile nature of Van Gogh’s state of mind.

Vincent Van Gogh

T.W. Rhys Davids Ph.D. LLD.

Alle lebendigen Wesen sind Buddhas und verfügen über Weisheit und Tugend.„ (Buddha) Buddha zählt zu den am häufigsten dargestellten Heiligenfiguren der gesamten Welt, vielleicht ist er sogar häufiger als der in der westlichen Kunst so wichtige Christus abgebildet worden. Buddha wird in ganz Asien und weit darüber hinaus verehrt. Sein Bild nahm an der Seidenstraße, dem Geburtsort vieler Varianten des Buddhismus, Gestalt an. Die buddhistische Religion erkennt viele verschiedene Buddhas an, die wiederum unterschiedliche Traditionen verkörpern: so z. B. den Buddhismus der Lehre der Ordens-Älteren (Theravada), des Großen Fahrzeugs (Mahayana) und den Tantrischen Buddhismus (Vajrayana).Der in allen Traditionen verehrte Buddha ist in jeder Kunstform dargestellt worden: in der Bildhauerei, häufig in monumentalen Skulpturen wie etwa den heute zerstörten Buddhas von Bamyan, in der Malerei und vor allem in unzähligen Höhlenmalereien wie etwa jenen im indischen Ajanta oder in den Dunhuang-Höhlen in China. Das vorliegende Werk ist sowohl für den leidenschaftlichen Liebhaber asiatischer Kunst als auch für Neulinge auf diesem Feld ideal geeignet. Es lädt ein, Buddha, seine Geschichte, seine Lehren, aber auch seine unzähligen Gesichter durch insgesamt tausend Abbildungen, großartige Kunstwerke aus den größten Museen der Welt, zu entdecken oder wiederzuentdecken.

Victoria Charles

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